The Mystery of Video Art

Typical scenario: you go to a museum for a contemporary art exhibition and after wandering around, you notice a mysterious dark room. After walking in intrigued, a conveniently placed bench invites you to sit down and enjoy the show. A few seconds in, you realize that a non-sensical video is being projected on the screen or wall.

It seems like a bunch of images pieced together with no order. After staring aimlessly for a few minutes you decide that it is "too contemporary" or "too crazy for you" and leave the dark room confused - Does this sound familiar?

You are not alone in your frustration. Understanding video art is complex and most people have many difficulty digesting this avant-garde art form.

People are still skeptical about video art, and when people don't understand something, they tend to mock or reject it. Even professionals within the art world share the same concerns as you: Is video a legitimate art form? Can it be bought and sold? Does it have any value? Video art has often been under-represented, and its collecting has been limited to major museums rather than individuals.

Appreciating video art requires patience. It is helpful to read into the context:

  • Who is the artist?
  • Where is he/she from?
  • What other works have they produced?
  • Why did he/she create this video?     What is the artist's message?
  •  In what time period or historical time frame was it created? 

This is guaranteed to help you not only understand but actually appreciate art, but also learn and open your mind (BTW this advice goes for any art exhibition in any context whatsoever).

You can find video art in two varieties: single-channel and installation. Single-channel works are much closer to the conventional idea of television, or cinema: a video is screened, projected or shown as a single image. Installation works, on the other hand, involve either an environment, several distinct pieces of video presented separately, or any combination of video with traditional media such as sculpture. Installation video is a common form of video art today.

With the rise of video technology in the 1960's many artists started exploring relationships between themselves, the physical world and other people, they used video as a convenient medium for recording these events. The pioneers of video art as a genre are usually considered to be the Korean musician, performance artist and sculptor Nam June Paik (1932-2006), and Andy Warhol (1928-87) the leader of the Pop-Art movement in his Factory Studio. 

Andy Warhol's "Chelsea Girl" 1966

Video art has not really broken through because it is not quite home-friendly. The technology requires wide exhibition spaces which are usually more adept in museums and exhibition spaces. In order to project one of these works in your home, you would need a large house and equipment to accommodate it. And, if you have hundreds of video works, how and where do you display them?

It does not help that video art has not been easy to sell, either. Part of the reasoning is because it takes longer to observe than a static painting or sculpture. Its nature is impermanent (the technology degrades or is outmoded over time); it is easily replicable; and it requires specific viewing spaces than most other media. But like photography, which is equally impermanent and replicable—video works are finally establishing their place on the fine-art market landscape.

There are big name video artists are commanding high prices at auction—Paik’s television sculpture, Rocketship to Virtual Venus, 1991, sold at Christie’s Honk Kong last May for $372,353, and Doug Aitken’s 2000 video installation, I Am in You, sold at Phillips de Pury New York for $176,500 last March—there is still a sense that the market needs to catch up compared to the sales of these same artists in other media for example.

Doug Aitken "I am in you" 

Even with its difficulties, many art experts believe that the future of Art History is going to be rewritten through the moving image. Video is being recognized as important because it has had an impact on many other art forms. Dance, literature and architecture were all affected by the moving image.

Today video art is an art form that many generations of artists are gravitating towards because it’s flexible; it allows them to explore and document issues of representation that they can’t in other media.

Here at CULTURADORA, we are willing to bet that if you sit through the entire playback of the video, you will understand and be inspired by it. Try our tips next time you are in that dark room.

Culturadora at PINTA Miami

The Pinta Modern and Contemporary Latin American Art Show is moving to Miami this year after seven years in New York. Its first iteration will take place during Art Basel Miami this December. In addition to sixty exhibitors, the fair will also have a curated section emphasising art from Argentina, Uruguay, Brazil, and Venezuela.

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Agam: A Pioneer in Color and Movement

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What comes to mind when thinking of kinetic art? Some might associate color and movement while others connect to the intricate engineering behind these works of art. The universal appeal of kinetic art can be traced all the way to the movement's forefathers. Hailing from different countries, its leaders serve as a testament to how this artistic style transcended boundaries and evoked popularity from masses all over the world.

 

Born in the early 1920's, kinetic art rose to popularity thanks to its relatable nature and appealing aesthetic. The use of color and movement allowed people of all ages and nationalities to enjoy the works of art at face value. Its seeming simplicity would usually hide the works complex nature.

 

In the 1950's and 1960's young groups of artists left their home countries and moved to Paris to materialize their artistic vision. The influx and communication of art theory brought about one of the most interesting artistic styles of the mid-twentieth century. Among the pioneers of kinetic art was the Israeli artist, Yaacov Agam.

 

Agam's unique form of expression reflects the reality of Judaism and art rooted from other civilizations. The artist's intention has always been to create works of art that transcend what is visible. A passionate experimenter, Agam deals with such problems as the fourth dimension, simultaneity and time in the visual arts. He has extended his experiments to the fields of literature, music and art theory.

 

Agam was born in 1928, in Rishon LeZion. Growing up without any formal education, the artist absorbed the heritage of Jewish spiritual values taught at home. He was particularly attracted to Jewish mystic lore and kabbalistic studies his father would practice. This heritage remained at the core of Agam's artistic philosophy throughout his career. After studying for a couple of years in Jerusalem, Agam settled in Paris in 1951. Following World War II, Paris struggled to retain its place as the world's art center. However, the city's history and diversity provided young artists with a rich panorama.

 

The artist's work has been exhibited in leading institutions such as the Musée National d'Art Moderne Georges Pompidou in Paris, the Guggenheim Museum in New York, the Museum of Modern Art, the Mildred Lane Kemper Art Museum, the Stedelijk Museum in Amsterdam, and the Elysee Palace in Paris. Some of his public commissions are featured in La Défense district in Paris as well as the "Fire and Water Fountain" in Tel Aviv's Dizengoff Square. Furthermore, Agam was awarded the Jan Amos Comenius Medal by UNESCO for devising the “Agam Method”, a visual education program for young children.

 

Agam's popularity is also reflected in his success in the market. Sales results of his works at auction have made him the highest-selling Israeli artist. His work “4 Themes Contrepoint” sold for $326,500 at Sothebys New York in November 2009. Regarding the demand for his work in the sale, the artist shared: “This does not amaze me ... my prices will go up, in keeping with the history I made in the art world.” One year later, his work “Growth", estimated at $150,000 to $250,000, sold for the record-breaking sum of $698,000.

 

Agam's cultural accomplishment is of great importnace. The artist placed Israeli modern art on the global map. His pioneering studies have not only impacted the arts, but also architecture and theater as well. His inventive power, virtuosity, as well as the rich and complex artistic content of his work, has earned him a firm place in art history.

 

On December 1, the renowned Parisian gallery Espace Meyer Zafra will be launching its new showroom in Miami. To kickoff the week of Art Basel Miami Beach, the gallery will open its doors for the vernissage of "Agam & Co." The exhibition includes an impressive array of limited edition prints by Yaacov Agam along with works by other established Latin American kinetic artists such as Carlos Cruz-Diez and Mauel Merida.

 

Espace Meyer Zafra aims at putting forward the Latin American and European artists of the optical, kinetic art and the geometric abstraction. The gallery has presented the artists' first generation of kinetic art such as Yaacov Agam, Jesus Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Antonio Asis, Narciso Debourg and Ludwig Wilding.

 

ESPACE MEYER ZAFRA MIAMI - 1130 E Hallandale Beach Blvd, Suite C Hallandale Beach, Fl 33009

Te presento a un artista: Doris Salcedo

El estereotipo del latinoamericano viviendo en el exterior es uno difícil de disuadir. Gran parte de emigrar es conseguir el balance apropiado entre adaptarse a una nueva sociedad y mantener viva la cultura de su país de origen. Para ninguno es fácil mudarse a un nuevo ambiente físico, con nuevas pistas sociales, trabajo, amistades, y tener el chance de demostrar individualidad. Estos sentimientos universales son, en gran parte, lo que definen el trabajo de la artista Doris Salcedo.

Salcedo nació y creció en Bogotá, Colombia. Estudió arte en la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano y luego completó su Master's in Fine Arts (M.F.A.) en New York University. Durante su experiencia viviendo en el exterior, Salcedo formó un lazo fuerte con su país natal y decidió regresar a dar clases en la Universidad Nacional de Colombia.

Al regresar a Colombia, Salcedo se enfocó en su trabajo artístico el cual se inspiraba en la fuerte historia que ha vivido su país, específicamente durante la guerra civil colombiana de 1948. Una de sus primeras piezas importantes, producida en 1998, se llama "Unland: The Orphan's Tunic" donde Salcedo se basa en la historia de tres niños que habían quedado huérfanos tras las confrontaciones entre la guerrilla y los militares colombianos. La artista consiguió en el norte de Colombia seis mesas, cada una construida de distintos tipos de madera. Al volver a su estudio en Bogotá, cortó cada una de las mesas por la mitad para ensamblarlas entre ellas. Luego perforó decenas de hoyos pequeños a lo largo de los cortes de ambas mesas y procedió a tejer a través de ellas cabello de humano y seda blanca fina. Con éste arduo trabajo desea representar el quiebre irreparable que trae la pérdida de seres queridos durante un conflicto tan fuerte. Las mesas distintas presentan el antes y después de estos niños y la sección tejida semeja una cicatriz y a su misma vez una telaraña (gracias al uso de la seda blanca) haciendo referencia a un objeto - o en este caso sentimiento - viejo el cual se tendría guardado y olvidado.

Más adelante, en el 2003, Salcedo produjo un trabajo impresionante para la Bienal de Istanbul. La artista recopiló 1.550 sillas y las agrupó en un terreno vacío entre dos edificios de la ciudad, obra la cual sorpresivamente llamó: "1550 sillas entre dos edificios de la ciudad". Pero el tema del cual trataba la obra no era ningún chiste, Salcedo aludía a las masas de víctimas que han caído por conflictos armados en todo el mundo. Salcedo se refiere a su obra como una "topografía de una guerra" y advierte en el video que se encuentra en éste artículo que no se refiere a un conflicto en específico sino a la guerra en general. 

Sin lugar a duda una de sus proyectos más reconocidos y uno de sus logros profesionales más grandes fue su obra "Shibboleth" la cual fue comisionada por el museo Tate de Londres en el 2007. Para éste proyecto, Salcedo decidió crear una grieta gigante a lo largo de la sala principal del museo. La construcción de la obra fue particularmente difícil ya que se proponía quebrar el piso de la sala del museo y rellenarlo de una piedra negra traída específicamente de Colombia.

El mensaje de la obra era representar el estereotipo que se la asigna al latinoamericano que vive en el exterior - específicamente en Europa. Salcedo transmite el sentimiento de ser juzgada, vivir con límites sociales y laborales y no ser capaz de ser incluida en la sociedad europea por ser una inmigrante. Como dice la artista en el video: "Shibboleth representa los peligros al cruzar las fronteras. Hago una pieza sobre personas que han sido expuestas a ambientes donde sufren casos extremos de racismo y por lo tanto sujetos a vivir en condiciones inhumanas en el primer mundo."

Proyectos fuertes como éstos - que tienen un aspecto visual impresionante y una crítica social clara - es lo que ha catapultado a Salcedo a su reconocimiento internacional como una de las artistas contemporáneas más importantes de nuestra generación. 

Gracias a artistas como Salcedo, se forja la identidad y cultura latinoamericana. La artista se ha convertido en una de las varias caras de la riqueza cultural colombiana y ha logrado, a través de su trabajo, derrumbar muchos de los prejuicios que el mundo percibía erróneamente del país latinoamericano.

El Mercenario Mito De Que Cuando Un Artista Muere, Suben Los Precios...

El típico comentario que recibimos a diario: "Compré unas piezas del artista X ¿Cuándo es el mejor momento para venderlas? ¿Debo esperar hasta que se muera? ¿Voy a ganar más dinero de esa manera?" 

La respuesta es: Primero, hay que tener cuidado con la idea de que uno sólo compra arte por inversión - el arte es algo que se debería disfrutar adquirir. Segundo: el mito de que los precios del arte no suben hasta que un artista muere (como si la muerte trajera consigo una inflación mística e instantánea ) no es más que un mito. Esa creencia es perpetuada por ciertos comerciantes que van a decir cualquier cosa para hacer dinero rápido de compradores ingenuos. En la mayoría de los casos, la muerte de un artista tiene poco o ningún impacto en los precios de venta o el potencial de inversión de su arte.

Por lo general, artistas que fueron ignorados en vida son ignorados en la muerte. Van Gogh, Monet y Gauguin son las excepciones a esto. Estos artistas se morían de hambre y sus obras se apreciaron solo después de su muerte. Por supuesto, esto fue en los 1800! Todo se movía bien lento en esos días. En el mercado actual, el concepto de un artista muerto de hambre cuya muerte da a su obra una nueva vida...rara vez sucede.

Cuando un artista demuestra éxito en el mercado, el aumento en los precios de su obra se deberían llevar a cabo lentamente, con sensatez, de manera deliberada y ordenada hasta las últimas décadas de su vida. Hay veces que ciertas galerías y casas de subasta se aprovechan de grandes ventas de un artista joven y proceden a inflar sus precios. Un ejemplo reciente es el artista Jacob Kassay. Kassay tenía 25 años cuando sus primeras obras aparecieron en una subasta de Phillips (una de las tres grandes casas de subastas en Nueva York) con un estimado de $8,000, la cual se terminó vendiendo por $86,500. Este tipo de crecimiento instantáneo es algo que afectó el mercado de la obra de Kassay mientras seguía siendo un joven artista. En cambio, cuando un artista semi-establecido muere naturalmente, las galerías siguen vendiendo, los coleccionistas siguen comprando, por lo tanto los precios deberían seguir siendo lo que siempre eran.

Obra de Jacob Kassay que se vendió por $86,500 en la subasta de Phillips del año 2010

Obra de Jacob Kassay que se vendió por $86,500 en la subasta de Phillips del año 2010

Ahora bien, hay casos aislados de muerte que si afectan significativamente la estructura del precio de un artista. En primer lugar, el artista tiene que ser relativamente famoso en ciertos círculos, y su arte ha de ser relativamente caro y la demanda alta entre los coleccionistas. En segundo lugar - y aquí está la gran variable - tienen que morir antes de tiempo y de forma inesperada, agarrando al mercado por sorpresa. Cuando eso sucede, se crea una especie de pánico o trastorno mental transitorio, basado en la especulación, igual que pasaría en el mercado de acciones si muriese el CEO de una empresa importante.

En los meses inmediatamente posteriores a la muerte de Warhol y Basquiat, por ejemplo, los precios pasaron por fases arbitrarias e irracionales antes de establecerse gradualmente a la sensibilidad. Incluso las pertenencias personales de Warhol -latas de galletas que no costaban mas de $50- se subastaron en Sotheby's por miles de dólares. Este "efecto de la muerte" se puede observar perfectamente en eBay cuando las celebridades como Amy Whinehouse mueren y se vende todo lo que se conecta a ella. Hay personas en todo mercado que quieren hacer dinero rápido, mientras que la situación está "caliente".

Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat en los 1980s, durante la época que los dos famosos artistas combinaron su estrellato para vender sus obras. En esta época, Warhol no lograba vender de la misma manera como lo hacía en los años 1960s. Por lo tanto, recurrió a su amigo y protegido, Basquiat, para que éste lo ayude.

Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat en los 1980s, durante la época que los dos famosos artistas combinaron su estrellato para vender sus obras. En esta época, Warhol no lograba vender de la misma manera como lo hacía en los años 1960s. Por lo tanto, recurrió a su amigo y protegido, Basquiat, para que éste lo ayude.

Interesantemente, hay ciertos casos en que los precios de un artista pueden caer cuando mueren. Si la familia no administra correctamente los bienes de un artista y hace "dumping" de todo el arte en el mercado al mismo tiempo, se disminuyen los precios porque la oferta se vuelve mayor que la demanda. Otra razón de una caída de precios que pasa mucho hoy en día, es cuando los coleccionistas patrocinan a un artista que es una personalidad, con perfil público, extravagancia, contactos sociales, o habilidades de ventas que valen mas que la calidad de su arte. Si el artista ya no está para entretenernos y vender, sus precios van en caída libre. Un ejemplo de ello sería Pascal Cucaro, un artista de San Francisco cuyos precios llegaron a valer $50,000 en los años 1960, mientras que hoy en día, los precios de sus pinturas valen solo cientos de dólares.

Nuestra recomendación para una buen inversión en arte es chequear con los expertos los niveles de demanda y la oferta a lo largo de la carrera de los artistas que te interesan o coleccionas, las CULTURADORAs estamos a la orden para cualquier pregunta!

Arte Moderno, o Contemporáneo....Cual es la Diferencia?

Cual es la diferencia entre arte moderno y contemporáneo? La mayoría de nosotros suponemos que da igual, que son simplemente 2 palabras que significan lo mismo, no? Pensamos que todo lo que vemos que no es clásico, es moderno o contemporáneo, o algo así.... La realidad es que ese no es el caso, y justo saber esa pequeñita diferencia es CLAVE para entender el arte que vemos desde el siglo XIX hasta hoy.

La gran diferencia entre moderno y contemporáneo es el periodo en el tiempo en el que se hizo la obra y por ende su intención.

El arte moderno empieza en 1870 en París. Como ya les contamos en nuestro primer post (101: Introducción al Arte Contemporáneo) , antes se pintaban temas de historia, religiosos, héroes, o mitológicos. Los colores eran oscuros y se pintaba dentro de un estudio únicamente. El primer movimiento del arte moderno fue el Impresionismo, lo que marco este periodo es que se empezaron a pintar temas del día a día, madres con sus hijos, paisajes, bailarinas, animales y al aire libre, rompiendo la tradición de pintar en el estudio. Estos cuadros tenían mucha luz y colores claros. 

Arte Neo Clásico (Pre - Moderno)

"La Libertad Guiando al Pueblo" Eugene Delacroix

"La Libertad Guiando al Pueblo" Eugene Delacroix

Arte Moderno

"Water Lilies" Claude Monet

"Water Lilies" Claude Monet

Antes del Impresionismo, el arte era usado como propaganda política, por lo cual era mayormente apoyado por el gobierno o la iglesia, era especialmente poderoso como arma porque la mayoría de la gente en esa época no sabia leer ni escribir, entonces las imágenes artísticas eran el medio de comunicación principal. La sociedad fue cambiando con la Revolución Industrial, y con ella el arte se fue adaptando. A partir del Impresionismo el arte se empezó a vender por galerías. Paul Durand-Ruel fue el primer galerista en Paris y Londres. Los artistas del Impresionismo fueron Claude Monet, Renoir, Edgard Degas, Camille Pissarro, entre otros.

Con el fin de la Segunda Guerra Mundial termina el arte moderno y comienza el arte contemporáneo hasta nuestros días. El primer movimiento del arte contemporáneo es el Expresionismo Abstracto con Jackson Pollock y Mark Rothko, entre otros.

El arte moderno fue un cambio de actitud para pintar nuevos temas y de nuevas manera nunca enseñadas en las escuelas de arte. El arte contemporáneo con el Expresionismo Abstracto fue el primer movimiento creado en Estados Unidos. Este movimiento fue creado por los artistas de Europa que salieron escapando la segunda guerra mundial. Gracias al arte contemporáneo, Nueva York se volvió el centro del arte y del mundo, desplazando a París.

Arte Contemporaneo

"Numero 8" Jackson Pollock

"Numero 8" Jackson Pollock


¿¡Qué son estos precios!?

White Marilyn de Andy Warhol, 1962

White Marilyn de Andy Warhol, 1962

Estás dentro de una galería debatiendo si preguntarle o no al encargado el precio de alguna de las obras que ofrecen. Cuando la curiosidad gana y decides preguntar, lo que te queda es confusión cuando te responden con un precio altísimo.

Yo se que piensas: "Pero es sólo un cuadrito!" o "Hasta mi hijo puede hacer eso!" pero cuando se trata del mundo del arte, muchas veces hay que aceptar que hay muchas factores que ocurren "behind the scenes" que afectan lo que ves en las galerías.

Pero... ¿¡Quién decide los precios!? Normalmente el artista, pero el galerista que lo representa tiene la última palabra y decide si ese precio es muy alto o bajo para el mercado. El artista produce las obras pero el galerista es el que las vende y es en gran parte el encargado del éxito que tiene el artista. Normalmente el artista y galería se dividen 50/50 de la ganancia total de una venta (algunas retienen más o menos, pero esto varía dependiendo de cada una). La mayoría de las galerías trabajan en un modo de consignación con el artista. Es decir, una galería no compra el trabajo del artista, sino que muestra ciertas obras en una exhibición para tantear el mercado y ver cómo es recibido por el público (esto baja el riesgo de inversión de la galería y le permite trabajar con varios artistas a la vez). 

Hay dos factores que afectan lo que ves en la lista de precios: 1) el valor de piezas similares que existen en el mercado y 2) el objetivo que tiene un artista para su carrera. Si un artista tiene la meta de que sus obras sean parte de la colección de un museo o una colección privada prestigiosa, entonces éste va a tener que ubicar sus precios cerca, pero más abajo, a obras similares de artistas que estén más establecidos. Hay una línea muy fina entre que una obra sea muy barata (y considerada de "baja" calidad) o muy cara (considerada en sobre precio arriesgando al artista a "quemarse" en el mercado).

Cortesía Quartz

Cortesía Quartz

Los precios de una obra de arte llegan a los altos miles o millones de dólares gracias a un grupo muy pequeño que controla el mundo del arte. Las casas de subastas Sotheby's y Christie's son el termómetro del mundo del arte y ellos escogen a ciertos coleccionistas que tienen mucho poder (a.k.a: $$) y los guían a que compren ciertas obras.

Antes de que vengan la subasta de otoño o primavera, las casas de subastas mandan material promocional sobre ciertas obras que estarán disponibles y crean lo que ellos llaman "auction fever" (fiebre de subasta) donde motivan a varios coleccionistas a hacer ofertas por la misma obra y así es cuando empieza la competencia entre dos o más personas y lo que genera los records de altas ventas en subastas.

Una locura, verdad?? Si quieres saber más o quedaste con preguntas, déjanos saber en la zona de comentarios y con gusto contestamos!

Te presento a un artista: Marina Abramovic

Marina Abramovic para Time Magazine

Marina Abramovic para Time Magazine

Time Magazine ha nombrado a la artista Marina Abramovic como una de las 100 personas mas influyentes en el mundo. Aquí te contamos un poco sobre Marina y por qué es tan importante...

Marina Abramovic nació en Serbia y empezó su carrera en el mundo del arte en los 1970s. Los años 70s estuvieron repletos de revoluciones sociales como protestas ante las guerras (hippie movement), defensa por el medio ambiente, el Civil Rights Movement y el feminismo. Muchos artistas se influenciaron por estas protestas y Abramovic fue una de las protagonistas. Una práctica artística que se desarrolló durante esos años fueron los "happenings" que hoy en día se conoce como Performance Art.

Performance Art es una tendencia dentro del arte contemporáneo en la cual un artista explora un concepto utilizando su cuerpo en un lugar y tiempo determinado. Se llamaban happenings en los 1970s porque el enfoque de la obra era que tenía que tener un principio y un final. 

Una de los primeros happenings de Abramovic (y de los más desafiantes) fue en 1974 y se llamó "Rhythm 0". Para esta pieza, Abramovic se propuso a quedarse inmóvil dentro de una galería y colocó una mesa en frente de ella con muchos distintos tipos de objetos, entre ellos: una rosa, una pluma, miel, un látigo, aceite de oliva, un par de tijeras y hasta un arma con una sola bala. Estos objetos estaban a la mano para cualquier visitante de la galería y sobre la mesa reposaba un cartel con la única regla del show: "Utiliza lo que quieras". Mientras las horas iban pasando y gente entraba a ver el show, más y más iba el público sintiéndose cómodo en tratar a la artista como el juguete que ella se prestó a ser. En un momento, un hombre le corta y quita la camisa, mientras que otra persona llegó hasta el punto de agarrar el arma cargada y colocarla en la propia mano de Abramovic para ver si ella jalaba el gatillo. El fin de la obra era explorar la naturaleza de la mente humana, la cual Abramovic considera que no tiene límites. La artista quería probar como el poder y acción de un individuo se contagia a un grupo de personas en el momento que se eliminan las reglas. Cuando la primera persona decide infligir daño sobre la artista inmóvil, automáticamente se desata el deseo en las otras personas del público en hacer lo mismo. Abramovic explica que cuando la obra se culmina y ella comienza a actuar de vuelta como una persona con poder de voluntad, la gente que quedaba en el público (algunos incluso de los que le habían hecho daño) no la podían ver a la cara y se fueron de la galería sin decirle una palabra.

Mira el video donde Abramovic explica Rhythm 0!

Otras obras bastante reconocidas fueron los performances que Abramovic presentaba durante muchos años con su pareja, Ulay. Una de las piezas mas famosas que mostró con Ulay fue "Nightsea Crossing" la cual consistía en ambos sentarse en sillas, uno en frente del otro con una mesa dividiendo el espacio entre ellos. Por siete horas diarias debían mantener silencio verse fijamente a los ojos sin moverse. Todo esto para ver qué tan lejos puede llegar la mente humana cuando deja de lado a su cuerpo.

Después de años trabajando y viviendo juntos, Ulay y Marina terminaron su relación profesional y personal. En el 2010, Marina recrea muchas de sus famosas obras en el MOMA de Nueva York. En vez de reconstruir una de las piezas con su ex-pareja, Ulay, la artista decide incluir al público y actuarla con cada visitante. En el siguiente video, pueden ver el momento kodak cuando Ulay llega a la exhibición e interactua con Marina después de años sin verse. La reacción de ambos no tiene precio! 

Hoy en día, Abramovic mantiene su nivel de popularidad porque con obras polémicas como "Rhythym 0", "Rhythm 10" y "Seven Easy Pieces" ha logrado capturar la atención y apreciación muchas personas incluyendo importantes celebridades como Jay Z y James Franco los cuales admiten públicamente que se acercaron al mundo del arte gracias a artistas como Abramovic.

 

Que piensas tú?? Todas las opiniones son válidas - Déjanos la tuya en la sección de comentarios!

101: Introducción al arte contemporáneo

Marcel Duchamp en 1968 con su obra "Bicycle Wheel"

Marcel Duchamp en 1968 con su obra "Bicycle Wheel"

 

Decidiste ir por fin a una nueva galería o museo! Estas preparado para aprender, vivir una experiencia nueva, sentirte parte de la cultura de tu país o ciudad. En lo que entras y ves a tu alrededor, te preparas para absorber todo lo que el espacio tiene para ofrecerte y dices ......... "Esto es arte!?!" 

Si eres de los que se le ha cruzado ese pensamiento en algún momento por la cabeza, siempre te ha interesado saber de qué habla la gente que "sabe de arte", o si capaz quieres entender lo básico pero nunca has logrado sacarle la información a alguien sin que te vea con cara de lamentación por tu falta de conocimiento, ya no tienes de qué preocuparte. Te damos la bienvenida a CULTURADORA!

A menos de que hayas estado viviendo en las profundidades del Amazonas, te habrás dado cuenta del rápido crecimiento del mundo del arte. Entre nuevos museos, la aparición de las "mega" galerías, ferias de arte y los nuevos records de venta en las casas de subastas, es un hecho que el arte está en cada faceta de nuestro día a día. Probablemente también has escuchado el término "Arte Contemporáneo" y sabes más o menos a que se refiere pero no estás seguro. ¿Adivina qué? Lo mismo piensa toda la gente que trabaja en el mundo del arte. 

Hay MUCHO debate alrededor de cualquier definición para dicho término, pero con el objetivo de mantenernos cuerdos, nos arriesgaremos a decir que arte contemporáneo se define como: el arte que fue producido después de la segunda guerra mundial (también visto como cuando Nueva York empezó a ser el centro del mundo y París pasó de moda).

Ahora, el hombre de la foto es Marcel Duchamp - el papa de los helados del arte contemporáneo. ¿Por qué? Básicamente porque fue la primera persona en conseguir un taburete, una rueda de una bicicleta, ensamblarlos, y llamar al resultado: arte.

Hoy en día puede parecer muy común ir a un museo o galería y ver un pote de basura con carteles en frente que digan: "Favor no tocar", pero Duchamp fue el primero en apropiarse de objetos abandonados y llamarlos arte. Si te habías cuestionado: ¿¡Por qué hay un ventilador viejo exhibido como arte en un museo!? ya sabes que le puedes echar la culpa a Duchamp. Pero aunque esto en principio parezca de poca lógica, la realidad es que hay una razón detrás de esta práctica y saber/entender el por qué te va a ayudar a apreciar la mayoría de las obras de arte que ves hoy en día.

Para eso, hay que retroceder un poco en el tiempo y contarles un poco sobre Duchamp. Este artista siempre fue un rebelde sin causa. En sus comienzos en el mundo del arte, solía pintar en un estilo similar al de los Cubistas (el grupito de Picasso, Braque, etc.) pero con un toque distinto. Por alguna razón (no sé si por anticuados o convencionales) esto le molestaba mucho a la gente en Francia. Por lo mismo y para molestar, Duchamp seguía haciéndolo. Por ejemplo: una vez el pintó lo que, según él, era un desnudo de una mujer bajando las escaleras, obra la cual llamó: "Desnudo bajando por las escaleras" (ver imágen abajo). Suena inofensivo, sobre todo porque en esa época un francés no se hacía llamar artista hasta que no pintara a una mujer en paños menores. Pero en este caso, Duchamp no pintó a la mujer de manera representativa sino que lo hizo en el estilo de los cubistas (intentando capturar la imagen de la mujer en tercera dimensión). Además, quiso capturar a esta misma mujer en movimiento (lo cual estaban comenzando a hacer otro grupito de rebeldes en Italia que se llamaban los Futuristas). El resultado final es como si Duchamp hubiese pintado fragmentos de una película de movimiento una y otra vez, lo que termina resultando en muchos objetos geométricos uno encima de otro. Esto causó un alarme cuando se mostró dicha pintura en el Armory Show (una feria de arte) en Nueva York porque era algo que nunca nadie había visto antes.

Pero volviendo al tema - la verdadera cuna del arte contemporáneo está en lo que Duchamp llamó los "readymades".  El artista se unió a un grupo que se llamaban Dada que eran también varios artistas rebeldes en contra del "art scene" parisino. Estos decían que era "demasiado superficial" lo que estaba sucediendo en París así que decidieron crear obras de arte que ... bueno ... básicamente no tenían sentido (si te suena parecido a lo que ves hoy en día, no es una coincidencia). Duchamp estaba, por supuesto, fascinado con esa idea y empezó a apropiarse de objetos manufacturados que encontraba abandonados. En una de esas, consiguió un urinario (sí, como los del baño. Y, sí, usado) lo firmó y lo presentó para la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en París - lo llamó: "La Fuente". Su mensaje, era mostrar cómo la Revolución Industrial había traído un cambio radical a la civilización occidental. El básicamente quería decirle a la sociedad: "Esto es lo que nosotros hoy en día admiramos y deseamos. Nos encantan los objetos y nos obsesionamos con ellos entonces, ¿por qué no llamarlos arte?" El hecho de que él obligó a la gente a pensar acerca de la idea detrás de lo que estaban viendo fue algo mega-revolucionario. Antes de esto, el publico estaba acostumbrado a ver pinturas lindas de colores, de paisajes del campo europeo, u obras que contaban algún mito griego, romano o bíblico. Duchamp fue el primero en decir que el paisaje o historia que estabas viendo era falso, que el cuadro que estabas admirando y utilizando como escape era pintura aplicado en un pedazo de tela con el fin de  imitar la realidad. El quería que dejes de pensar en lo que estás viendo y veas la idea detrás del objeto físico.

 

Gracias a Duchamp, un montón de grandes obras de arte se han producido que son autenticas a la época en la que estamos viviendo - el mundo cambia y el arte cambia para representar al mundo. Ahora esperamos que puedas apreciar un poquito mas la próxima vez que tengas que interactuar con el mundo del arte. 

Marcel Duchamp "Fountain" 1917

Marcel Duchamp "Fountain" 1917


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